O nacionalismo na
música romântica
1 –
Resumos breves dos três textos indicados, com até quatro páginas cada texto.
Neoclassicismo
No
início do século XX registra-se o fenômeno da volta rigorosa à música do
passado, científica algumas vezes, revelando obras musicais desconhecidas e
mantidas na obscuridade por séculos. É o século das descobertas arqueológicas
e, ao mesmo tempo, de contradições geradas pelas indagações e resistências a
novas formas de expressão musical.
Os
jovens compositores, logo após a Primeira Guerra Mundial, indagavam-se sobre
como compor algo maciço e colossal como a obra de Mahler, ou algo tão brutal
como algumas obras de Stravinsky; ou as harmonias avassaladoras de Richard
Strauss ou a imprevisibilidade de Debussy e a sofisticação tímbrica de Debussy
e Ravel. Esses compositores oscilavam entre um novo mergulho no folclore, a
descoberta do jazz e de folclores urbanos como os da música de café-concerto e
de circo, e a volta aos estilos anteriores. “Aos adeptos dessa última tendência
– “estética moderna que adota um retorno aos estilos clássico e pré-clássico,
particularmente a Bach e aos mestres barrocos”, na conceituação de Claude
Rostand – deu-se o nome de neoclássicos”. O Neoclassicismo procura descreve
um estilo de música do século XX, em que os compositores procuravam varias
formas ara absorver as novas descobertas sem perde a tradição do passado, se
mantendo fieis a alguns elementos como os centros tonais, a configuração
melódica, as ideias musicais sendo determinada por um objetivo, adaptados a
elementos novos e desconhecidos. A texturas extremamente espessas e
congestionadas, o que exigir uma massa de executantes, que foram substituídas e
passando a apresentar uma clareza de linhas e texturas que são características
da música anterior ao período romântico. A expressão por meio de emoções
intensas era deliberadamente evitada.
Compositores que
ilustram esta tendência na França são: Arthur Honegger e Darius Milhaud. Conforme o texto de Grout( p 712),
Arthur Honegger (1892-1955) sua música se caracterizar por ser dinâmica e
gráfica, que apresentar por melodias de pequeno fôlego, e fortes ritmos
ostinatos, pelas cores audazes e pelas harmonias dissonantes. Honegger nasceu
na França e morou em Paris no ano de 1913 em sua obra “andamento sinfónico”
Pacific 231, procurou não imitar o som, mas traduzir em música a impressão
visual e física de uma locomotiva em andamento, no ano de 1923 foi
cumprimentado por ter um exemplo de música programática modernista e suas
principais obras são as cinco sinfonias para orquestra em 1931-1951 se torna
famoso mundialmente com a estreia da oratória Rei David, o que marca a ascensão
de um novo gênero musical um misto de oratória e ópera, no segundo quartel do
século XX. Darius Milhaud (1894-1974),
natural de Aix-em-Provence, entre suas obras esta a Suite Provençale, feita para
orquestra no ano de 1937, com melodias do compositor do inicio do século XVIII
André Campra, suas música mostra uma produtividade pouco comum no século XX,
sua música apresenta obras para piano, música de câmara, suítes, sonatas,
sinfonias, musica para filmes, bailados, canções, cantatas e óperas. Milhaud e
muitos outros compositores contemporâneos fazem surgi um processo técnico a
politonalidade, onde duas linhas melódicas e dois planos harmônicos estão em
tonalidades diferentes e soam
simultaneamente. As obras de Milhaud são:
Les Malheurs, d’Orphée (Os Infortúnios de Orfeu, 1924), Le Pauvre
matelot ( O pobre Marinheiro, 1926), suas óperas estão organizadas em complexos
cénicos em distinção, com árias e coros, onde são as vozes e não a orquestra o
principal centro de interesse.
Francis Poulenc – (1899-1963), suas composições conforme
Grout se caracterizam por apresentar forma breves, mostra a graça e o espirito
da canção popular de paris, com imitação satírica por meio de uma fluência
melódica e um estilo que cativa. Como exemplo a ópera cómica Les Mamelles de
Tiresias ( Os seios de Tirésias, 1940) a obra neoclássica O Concert champêtre
para cravo ou piano e pequena orquestra que segue a linha de Rameau e Domenico
Scarlatti. Escreveu missa em sol para coro a capella no ano de 1937, muitos motetes,
obras para corais, e foi muito admirado como compositor de canções.
Paul Hindemeith (1895-1963),
Grout o destaca como uma figura importante como compositor e professor teórico,
em seu Tratado
de Composição Musical se destacar com um sistema de composição e um método
analítico, como professor na Escola de Música de Berlim no ano de 1927 à 1937,
e na Universidade de Yale(1940-1953) e na Universidade de Zurique a parti de
1953 teve um grande influencia as novas gerações de compositores e músicos De acordo
com o Grout (p. 715) o compositor mostra vinte cinco anos mais tarde, em sua
época a reformular as três principais obras desta década, que são um ciclo de
canções para soprano e piano sobre poemas, de R.M. Rilke. A vida de Maria, 1923
( Das Marienleben), Cardillac (1926, ópera trágica), Noticias do Dia, no ano de
1929 ( uma ópera cômica Neues vom Tage), se destaca quatro quartetos de cordas
e outras música de câmara. As obras da década de 30 se destacam por serem
emotiva, quase romântica, com uma organização tonal sistemática, estas obras
são a ópera Mathis der Maler,(Matias, o Pintor), 1934-1935 umas das obras mais
conhecida de Hndemith, entre outra obras deste período Grout cita as três
sonatas para piano(1936), uma sonata para pianão a quatro mãos (1938), os
bailados Nobilissima visione (938, sobre S Francisco de Assis) e os Quatro
Humores (1940) e a sinfonia em Mi(1940). Segundo Grout boa parte da música de
Hindemith foi escrita com objetivos pedagógicos.
Conforme Grout Messiaen naceu
em Avgnon em 1908 estudo órgão e composição em Paris onde foi professor do
Conservatório em 1942, teve como aluo Pierre Boulez e Karlheinz Stockhausen
participante do movimento musicais da década de 50 e 60, se destaca também como
seu aluno o Italiano Luigi Nono(1924) , o holandês Ton de Leeuw(19236). Suas
primeiras obras assinalar-se por uma integração perfeita e mais ampla
expressividade emotiva, de tom profundamente religioso e um controle
intelectual minuciosamente organizado.
Estes
compositores voltaram-se para as formações instrumentais pequenas,
privilegiando gêneros como a suíte de danças, o concerto grosso, a tocata e a
sonata clássica (sem traços do Romantismo), optando pela objetividade da
escrita polifônica, rejeitando a subjetividade da harmonia pós-romântica,
expressionista e impressionista. Na Alemanha, este movimento foi chamado de
Nova Objetividade. Alguns pontos ajudam a identificar este estilo, como, por
exemplo:A utilização de formas equilibradas e baseadas no conceito de simetria,
por vezes abordadas de maneira irônica;Clara definição dos processos temáticos;
Retomada da harmonia, agora enriquecida pela utilização simultânea de várias
tonalidades; Contenção da expressividade.
Serialismo
O serialismo total é a
música eletrônica permite o controle na composição a música aleatória busca
maior liberdade, com seu grau de imprevisibilidade e de sorte, tanto no
processo de composição o durante a execução da obra, o nos dois momentos. Os
executantes são apresentados varias alternativas cabe a ele escolher que notas
ou que parte da música ira tocar, e que
ordem fará, a altura das notas podem ser indicadas mas não a duração, ou ao
contrario, ou notas no improviso, em algumas peças não são fornecidos notas e
sim uma série de símbolos, um diagrama, desenho, ou uma idéia para ser
livremente interpretado. Cage com Stockhausen fizeram amplos o uso de
procedimentos aleatórios em suas composições. Entre estas obras estão Imaginary
Landscape de Cage, que foi feita para doze aparelho de rádio ligado em frente
estações onde cada aparelho tem dois executantes, um cuida da sintonia e outro
controlar os volumes, também um concerto para Piano e Orquestra, peça para
conjunto, sinfonia e aria onde cada músico.
Segundo Bennett ( p. 77) no ano de 1949 Messiaen compôs
uma peça para piano Mode de Valeus et
d’Intensités ( Modo de Valores e de
Intensidade), estas foram escritas foram baseadas em séries de faixas, nas
alturas, e duração, dinâmicas e formas de produzir o som. A parti deste momento
Messiaen, seu discípulo Boulez e Stockhausen, começara a fazer experiências com
o serialismo total, em que a altura, a duração, a dinâmica e o toque da série
de 12 elementos serão de forma inteira controlados por meio dos princípios
serialistas de Schoenberg, o primeiro a usar foi Boulez, e sua obra Structures I para dois pianos depois o
Stockhause chega a conclusão que o aspceto do som poderia ser controlado pelos
procedimentos serias,em sua obra Gruppen
utiliza uma escla de 12 tempos tocada por três orquestras bem afastadas entre
si e cada qual tem seu condutor(regente).
De acordo com o texto de Paul Griffiths (p.
130-144), a “música do mundo inteiro”
parecia esta em alternativa para o desenvolvimento da técnica pura do mundo
ocidental do serialismo que mostra um renovado interesse pelo método de
Schoenberg, que em primeiro lugar se mostrava surpreendente e com a morte de
Webern em 1945 o serialismo perdera o ousadia. Alunos menos talentosos destes compositores usaram seus métodos de forma
pessoal. Robert Gerhard (1896-1970), Nikos SKalkottas (12904-49), e outro
compositores como Krenek, trocou o estilo Jazz clássico pela composição genial
na ópera Karl V(1930-33), Frank Martin (1890-74), Luigi Dallapiccola(1904-75). Em Paris Boulez se torna
o líder de um grupo de serialistas, por ser mais inventivo e metódico entre os
compositores norte-americanos, o sistema serialista era considerado como
“matemático” e desumano. Shoenberg e seus alunos deixa a Alemanha e a Áustria
devido a expansão da Guerra pelos nazista, e se instalam em Paris e nos Estados
Unidos. Boulez e seus companheiros foram alunos de Messiaen, onde o
conhecimento do serialismo era limitado devido a falta de partituras publicadas
e gravações ou execuções.
Nos Estados Unidos Shoenberg em 1936 foi professor na
Universidade da Califórnia, em
Los Angeles , ele estimulou Babbit que não frequentava seus
cursos. Compositores e estudantes após a segunda Guerra se interessaram pelo
serialismo talvez por desejo de algo novo, este interesse de destacou na
Alemanha, no Instituto Kranichstein, de Darmstadt onde se reuniam para debater
a música de época.
No meados dos anos 50 conforme o autor o a conversão de
Stravinsky ao serialismo se destacou chocando os seus admiradores já que entre
as guerras foi o papa rival do serialismo de Schoenberg. Mas com esse novo
estilo pode reagir sem ironia, e compor obras
primas sacras e os epitáfios de seus últimos anos enquanto isso Boulez
se liberta do rigor serial integral em sua obra Structures I, partindo para questões estéticas ao contrario de Stockhausen que atuava com todo a força
motivadora dos desafios encontrados nas novas estruturas instrumentais. O
compositor Jean Barraqué passa a indicar segundo o texto uma saída para o
impasse do serialismo integral, procurando manter uma continuidade dramática e
uma expansividade melódica que se contrasta de forma acentuada em seu fraseado
penetrante, se tornando o romântico do movimento serial do pós-guerra. Suas
obras são: Séquence, sonata para piano, composição de uma ampla série de
paráfrase a obra de “A morte de Virgilio, o romande de Hermann Broch.
Eletrônica.
Conforme Paul Griffiths
( p. 145-158), o serialismo no final do século 40 e inicio do anos 50 não foi a
única força motivadora para o desenvolvimento da música nesta década começar a
aparecer o gravador de fita, dando um impulso ao surgimento da música
eletrônica, já que os discos demostravam ser limitados para criar música
eletrônica devido as técnicas serem excessivas e complicadas, as fitas davam os
compositores da época alternativas na gravação e estocagem de sons podendo
manipular a altura, ritmo velocidade da gravação sobrepor as gravações e
reorganizar conforme a ordem desejada.
Com o aparecimento da música concreta e eletrônica no
inicio da década de 1950 e fins de 1940, podemos observa que por meio de meios
eletrônicos se pode utilizar o sons e manipula-los pro meio de diferentes
frequência, amplitudes, durações ou timbres, estes meios fizeram com que os
compositores passassem a explorara um
campo sonoro que aparentemente parecia ter possibilidades limitadas. Neste
momento Edgard Varèse toma a proposta de compor com sons organizados na década
de 1920, novos compositores passam a buscar um objetivo em que os sons se
tornam primordial. Com a falta de recursos matérias criativos passou a explora
universos em obras instrumentais, que foram imitados nas intergrades para
orquestra em (1924-25). Déserts (1949-54), com esta obra em que Varêse decidiu
utilizar junto os sons gravados e instrumentos que se alternam com a orquestra
e a fita dos gravadores. A escrita orquestra trouxe um refinamento a combinação
de timbres em umas de suas obras com a combinação de timbres em um conjunto de
sopros e percussão. O compositor Varêse em seus últimos anos de vida, retorna
aos meios convencionais de composição mas antes criar a obra música em fita,
Pòeme Électronique. Compositores da época dos anos 30. Pierre Schaeffer(1910),
Pierre Henry(1927), e a obra Symphonie poen um Homme Geul (1949-50).
Para Griffiths Strochausen na Colônia dedicou seu tempo
ao estúdio e a composição instrumental e buscava não se preocupar com as
transformações dos sons naturais, mas em fazer música “pura”, feitas com os
novos recursos, mas fracassou devido a falta de tecnologia. Com a obra Studie I
peça eletrônica inicial de Stockhausen a música na década de 60 segundo
Griffiths sofreu crítica que seus sons eram mortos, os aparelhos não produziam
as rápidas variações como o ataque de um instrumento, com imitações rápidas e sutis
de inflexões que se apresentam em timbre, esse efeitos na música eletrônica
eram predeterminados, e os sons naturais chegava a desaparecer por completo nas
obras de Varêse. Os elementos vivos a música eletrônica se tornavam mais
comuns.
O texto procurar mostra o que os acontecimentos e como se
deu o desenvolvimento da música da época. Stockhausen com a composição
eletrônica “pura” passa a ter com pulsações regulares de sons no lugar de
simples frequência sonora, esse trabalho em estudo o levar a volorizar a
“unidade” da música eletrônica, onde uma nota passa a ser determinada por sua
altura e ao ser baixada para menos de 16Hz ou seja 16 ciclos de vibração por
segundo, passa a deixar de ser ouvida como som para ser ouvida como batida
rítmica regular, em que apresenta ritmos subsidiários que são fornecidos pelas
frequências que estabelece o timbre. Com isso destacar os quatro elementos
constituintes da música, que são altura, timbre, rítmica e forma.
Os elementos da música eletrônica composta com elementos
vivos foi levados mais a sérios pelos compositores da época, conformo o autor,
e se tornaram cada vez mais comuns. Stockhausen tentou fazer a segunda versão
de Kontaker, a fita grava é tocada por um pianista e um percussionista por meio
deste sons, escreveu que eles servem como orientação e perspectiva para
experiências auditivas, e funcionam como sinal de trânsito em um espaço ainda a
ser revelado no mundo dos sons eletrônicos, que acaba se confundido com sons
conhecidos. Kontakter leva em frente as mediações de Gesang, que estabelece
contato com os sons produzidos pelos executantes e o fluxo da música gravada em
fita, sem prejudicar o efeito dos novos sons. Para Babbit, o valor da música
eletrônica não apresenta novos sons, mas o controle rítmico que torna possível.
Na obra Nos Ensembles for Syntheslzer
(1962-64) mostra possibilidades que impulsiona a construção do serialismo
rítmico, e procura solucionar os timbres com cuidado, evitar recorrer ao
estranho e grandiosos, assim como Stockhausen, busca limitar às alturas da
escala temperada convencional, de modo que a peça parece produzi um órgão
eletrônico versátil.
Philomel (1963-64) este compositor procura explora a
dramaticidade dos sons eletrônicos. Robert Moog teve o sintetizado Moog
associado ao seu nome e a chegada deste
sintetizador passa a representa uma evolução nas técnicas eletrônica. O
compositor não precisava mais passar horas no estúdio, preparando e editando
seu material os novos sintetizadores passaram a oferecer uma variedade de sons,
prontos para serem manipulados, para isso bastava regular os controles e tocar
um instrumento no teclado ou algum outro dispositivo.
Com isso passou-se
a desperta um interesse pela execução ao vivo de equipamentos eletrônicos
“livre electronic muic” a primeira obra foi a de Cage, Imaginary Landscae n. 1
de 1939, por meados da década de 60, se multiplica os conjuntos de música
eletrônica ao vivo, como a Sonic Arts Union nos Estados Unidos, o conjunto de
Stockhausen e a Musica Elettronica Viva de Roma, passaram de acordo com o autor
instrumentos convencionais e eletrônico.
A primeira peça de Stockhausen foi Mikrophone (164-65). O
radio aparelho usado como instrumento foi inaugurado em Imaginary Landscape
n.4, de Cage, para doze receptores em 1951.
A música popular de alguma forma começa a se acomoda com estas músicas,
pois a música eletrônica estava importante na “música erudita”, onde
instrumentos da música popular começaram a ser empregados na música “seria”. O
que tornou possível a realização de concertos conjuntos de grupos eletrônicos e
de música pop, pois a diferença era apenas de formação, origem e público e
marca de disco.
Terry Riley (1935), segundo Griffiths (p. 154) apresenta
a peça In C, exemplo entre os gêneros
pois fornece um certo número de fragmentos modais, onde o executante
interpretam de forma livre dentro de um ritmo regular, onde gera repetições
obsessivas e movimentos espontâneos estes recurso passaram a ser imitados na
música erudita e popular.
De acordo com Griffiths (p.156) os computadores passar na
década de 60 foi uma técnica que não estava ao alcance dos músicos populares,
apenas alunos de universidades e professores desta instituições tinham acesso a
essa tecnologia. Max Matthews por meio de seus trabalho com sintetização sonora
em computador mostra o seu primeiro trabalho de sintetização sonora nos Bell
Telephone Laboratories. Os computadores passar a ser programado para operar um
sintetizador, mas também podendo ser empregados em outras formas em que é
possível alimenta-los com normas de composição, e orienta-lo para a criação de
“composições” pratica que foi inaugurada por Lejaren Hiller (19240 com a obra
Illiac Suite peças para quartetos de cordas (1957), Iannis Xenakis(1922), onde
a forma musical se torna comparável a um processo estocástico.
O autor descreve que o computador e as gravações de fita
sintetizadora e outro aparelhos eletrônicos foram e são cada vez mais
importantes na música desde do ano de 1950. Se destacar também um invenção mais
antiga o gramofone. Os primeiros concertos eletrônicos frequentemente
redundavam em fracasso por que as ausências de estímulos visuais entediavam o
público. Mas este problemas passa a deixar de existir com a música eletrônica
viva, e com técnicas de canais múltiplos que passam a dar a impressão quase
visual dos sons movendo-se no espaço. Stockhausen insistia em construir salas
de concertos para a música eletrônica, em 1970 foi construído um auditório
esférico para a Exposição de Osaka, sendo a primeira sala de concerto
adaptáveis para música eletrônica com à de Tchaikovsky.
De acordo com o autor uma composição eletrônica pode se
constituir somente em sons gerados eletronicamente, pré-gravados em fitas ou
manipulados ou pode ser a combinação de sons como vozes ou instrumentos, soando
naturalmente ou transformados por processos eletrônicos que seja gravados ao
vivo ou gravados, Karlheinz Stockhausen é um dos mais importantes compositores
da música eletrônica.
Numerosos músicos conhecidos foram iniciar-se nas novas técnicas ou a
realizar obras pessoais no Estudio de ensayo, transformado mais tarde
(1958) em Grupo de Pesquisa Musical: Olivier Messiaen, Edgard Varèse (Déserts),
Pierre Boulez (Deux Etudes), Darius Milhaud, Stockhausen, Xenakis,
Barraqué, Malec, etc. Em 1951, Hervert Eimert cria na rádio de Colônia um
estúdio de música eletrônica e se une um pouco mais tarde Karlheinz Stockhausen.
O emprego dos pesquisadores de Paris e de Colônia suscitou nos anos seguintes
uma floração de estúdios especializados na composição sobre fita:
Columbia-Princeton, Utrecht, Estocolmo (Hambraeus e Nilsson), etc.
2 – A partir dos exemplos musicais ouvidos durante as oito semanas escreva
um texto sobre a presença dos elementos musicais e estruturas em pelo menos
cinco gêneros ou estilos na música dos nossos dias (rock, MPB, rap, funk,
música Techno ou outros).
O rock é um gênero de música popular que se originou como
" Rock and Roll "em América 1950 e se passou a se desenvolver em uma
variedade de estilos diferentes em 1960 e mais tarde, especialmente no Reino
Unido e nos Estados Unidos suas raízes são da década de 1940 'e 1950' rock and
roll, em si fortemente influenciado pelo rhythm and blues e música country a
música rock também atraiu outros gêneros, como azuis e folclóricas , e as
influências incorporadas a partir de jazz , clássicos e outras fontes musicais.
Normalmente, o rock é a música baseado em música
geralmente com um compasso 4/4 , utilizando uma forma de verso-refrão , mas o
gênero tornou-se extremamente diversificada e comuns características musicais
são difíceis de definir. Como música pop , letras sublinham frequentemente o
amor romântico, mas também abordar uma grande variedade de outros temas que são
frequentemente social ou política de ênfase. Uma característica é a predominância
do rock por músicos brancos, do sexo masculino tem sido visto como um dos
principais fatores que moldam os temas explorados na música rock.
Os compositores clássico dar o nome de
Sonata uma peça , que se caracterizar
por apresentar vários movimentos para um ou dois instrumentos, que são tocadas
por piano e violino, ou se for três
instrumento passar a se chamar de um trio, caso fosse quatro seria um quarteto,
quinteto, de acordo com a sua formação. Na música popular temos o rock, a MPB,
o rap, ou o funk, que apresentam as sua forma de estrutura musical, e forma de
compasso que se caracterizar por ter formações de acordo com o estilo de cada
uma e como seus componentes tocam esses estilos.
O Rock é um gênero de música popular
que se originou como " Rock and Roll "em América 1950 e se
desenvolver em uma variedade de estilos diferentes em 1960 e mais tarde,
especialmente no Reino Unido e nos Estados Unidos suas raízes são da década de
1940 'e 1950' rock and roll, em si fortemente influenciado pelo rhythm and
blues e música country a música rock também atraiu outros gêneros, como azuis e
folclóricas , e as influências incorporadas a partir de jazz , clássicos e
outras fontes musicais. Normalmente, o rock é a música baseado em música
geralmente com um compasso 4/4 , utilizando uma forma de verso-refrão , mas o
gênero tornou-se extremamente diversificada e comuns características musicais
são difíceis de definir. Como música pop , letras sublinham frequentemente o
amor romântico, mas também abordar uma grande variedade de outros temas que são
frequentemente social ou política de ênfase.
Uma característica é a predominância
do rock por músicos brancos, do sexo masculino tem sido visto como um dos
principais fatores que moldam os temas explorados na música rock. Uma banda
pode ter cordas percutidas, friccionadas ou dedilhadas podendo ter também
instrumentos de madeiras e metais de acordo com o dono do grupo. A textura
musica pode ser polifônica acompanhada ser tonal e acompanhada por uma harmonia
instrumental por conjuntos de instrumentos melódicos, uma orquestra, e um
vocal, de acordo como o gosto e possibilidade financeira do interprete, para
pagar os músicos.
Muitos grupos são apenas formados por
guitarra, teclado, baixo e vocal. Ao
estudar e observar os aspectos rítmicos (divisão de compasso e de tempo
predominantes, divisões, subdivisões, variações) e agógica (rallentando,
rubato, mudança de andamento presente em um Rock , ou MPB, rap, funk, estaremos fazendo os
mesmo procedimentos de analise musical que são feitas nas obras do passado, se
analisarmos estas música estarão presentes sempre uma forma tipo A,B, A.
Cada música apresenta a sua forma na
sinfônica é na realidade uma sonata para orquestra, que se desenvolveu a parti
de uma abertura italiana, no começo tinha três seções de andamentos
contrastantes que são: rápido, lento, rápido, no começo estas seções eram
movimentos distintos, posteriormente passar a ser quatro movimento lento, em
seguida foi incorporado o minueto e trio, e o alegro finale, os compositores
que contribuíram para esta estruturação segundo Bennett (p.48) foram o italiano
Sammartini, o alemão Johann Stamitz, no meados do século XVIII, C.P.E e J.C
Bach, mas foi Haydn e Mozart que enriqueceram e aperfeiçoaram a sinfonia na
segunda metade do século. As musicas de nosso dias apresentam. Primeira parte,
tema, segunda parte, tema, terceira parte, tema.
A sinfonia apresenta em seu primeiro
movimento andamento rápido, segundo movimento mais vagaroso estilo canção, com
forma binaria A,B ou em
variações. Terceiro movimento em Haydn e Mozart inseri um
minueto e trio. Beethoven usou este movimento para apresentar o scherzo, e o
quarto movimento o finale de andamento rápido de caráter alegre usando a forma
rondó (A,B,A,C,A...)
Na década de 60 músicos segundo Wikipédia músicos
afro-americanos, misturando soul, jazz criaram uma forma de música nova tanto
no ritmo e na dança, pois esta música tira a ênfase da melodia e da harmonia e
traz um groove rítmico forte de baixo elétrico e bacteriano fundo, baseadas em
um acorde apenas o que diferencia das músicas de R&B que são centradas em
progressões de acordes. Nos anos 80 segundo Wikipédia o funk tradicional pede a
popularidade nos EUA, as bandas se tornam mais comerciais e a música mais
eletrônicas e o derivados do rap e o hip hop. A MPB abranger outras misturas
de ritmos como a do rock, soul e o samba, dando origem a um estilo conhecido
como samba-rock, a da música pop e do Samba, tendo como artistas famosos
Gilberto Gil, Chico Buarque e outros e no fim da década de 1990 a mistura da música
latina influenciada pelo reggae e o samba, dando origem a um gênero conhecido
como Samba reggae.
Conforme Wikipédia o Forró é um
ritmo e dança típicos da Região Nordeste do Brasil não existe consenso quanto à
definição musical do forró como estilo musical, é associado a uma generalização
de vários ritmos musicais da região Nordeste, como baião, a quadrilha, o
xaxado, com influências holandesas e o xote, influência de Portugal e são
tocados, por trios, compostos de um sanfoneiro, um zabumbeiro e um tocador de
triângulo é chamado arrasta-pé, bate-chinela, fobó. O Brasil se destaca também
em sue cotidian com o Sertanejo Universitário, que mudou muito a forma em relação
ao sertanejo convencional, já que alguns instrumentos como a sanfona, se
tornaram mais eletrônicos, assim, tornando a música com um ritmo um pouco mais
acelerado. Sua forma instrumental a sanfona se torna mais eletrônica com um
ritmo mais acelerado.
Conforme Wikipédia as músicas entoadas pelas
duplas sertanejas universitárias eram, em sua maioria, regravações e
interpretações de canções que anteriormente sucesso nas vozes de duplas das
décadas de 70, 80 e 90. Na segunda década do século XXI o estilo sertanejo
recebe tendências de vários estilos mais comerciais, como axé, pagode e até
funk, além de estilos com raízes mais populares essas misturas vêm sendo
criticadas, pelas duplas mais antigas, por descaracterizar a música sertaneja
em todas suas instâncias: letra, melodia, toada e qualidade vocal.
Referência Bibliográfica
HORTA,
Luiz Paulo, Sete Noites com os Clássicos,
Jorge Zahar Editor.
GROUT,
Donald J, PALISCA, Claude V, História da
Música Ocidental, Gravida.
BENNET
ROY, Uma breve historia da música,
Jorge Z|ahar Edtor.
Rock.
Disponivel em http://pt.wikipedia.org/wiki/Rock Acesso em 13/10/2012.
Jazz. Disponivel em http://pt.wikipedia.org/wiki/Jazz
Acesso em 13/10/2012.
MPB Disponivel em http://pt.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_popular_brasileira
Acesso em 13/10/2012.
Música
sertaneja.Disponivel em http://pt.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_sertaneja
acesso em 13/10/12
Forró.
Disponivel em http://pt.wikipedia.org/wiki/Forr%C3%B3
acesso em 13/10/12
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