O nacionalismo na música romântica

O nacionalismo na música romântica 

O nacionalismo na música romântica apresenta as motivações para o surgimento dos movimentos nacionalistas na música do século XIX são uma reação à predominância no mundo musical da ópera italiana e da música instrumental alemã. A ópera alemã se firma também com a presença de Carl Maria Von Weber (1786-1826), que utilizaria temática alemã, situando-se depois de Mozart e antes de Richard Wagner. Os alemães ganharam seu espaço próprio, vários outros povos começam a buscar a sua descoberta da expressão popular pelo mesmo caminho, o romantismo. As maiores expressões musicais deste movimento vêm do norte e do leste europeu, mas a mesma manifestação nacionalista se manifestou na península ibérica e na Inglaterra.

A Herança Romântica e as escolas nacionais.

            De acordo com o texto, o declínio do espírito romântico começou em 1840. Berlioz, Liszt, Wagner levaram o romantismo musical ao ponto extremo, levando a um inevitável declínio. A maior parte dos músicos alemães na segunda metade do século se definia por sua aceitação ou recusa sobre a orientação da “música do futuro” essas decisões foram determinantes para o aprimorismos estéticos anunciadores da decadência. Se classificando em “neoclássicos”. Havia então uma tendência conservadora e uma tendência progressista. Na Itália a música voltada para o teatro, Verdi ilustra a reação ao idealismo romântico e se manifesta na ópera naturalista de Puccini e dos “veristas”. Outros países os dois tipos de reação, clássica e naturalista. Essas mudanças se apresentam na música como uma alternativa à tendência expressionista, desde Tristão, anuncia a decomposição do sistema tonal clássico, a tomada de consciência de uma identidade nacional graças aos combates pela independência e pela liberdade.  A cultura europeia deixa de ser cosmopolita e se torna multinacional. A música especificamente alemã se culmina na obra de Wagner. As novas escolas nacionais buscar a singularidade que as liberta do classicismo europeu.  Na emancipação modal, e na assimilação do folclore autóctone: ritmo, escalas, melodias, estilo instrumental. Itália e Alemanha. Se define por um estilo vocal e instrumenta, passado de professor e aluno e difundido por toda a Europa. Os músicos italianos formaram uma comunidade intelectual supranacional por toda a Europa.  A ópera verdiana definir um estilo puramente nacional. Euryanthe anuncia Lohengrin que fazem um idealismo especificamente alemão. A música Alemã se caracterizar por seu rigor contrapontístico agora a música passar a se conhecer por seu romantismo, sua inspiração heroica, seu exagero, pelo sombrio e poderoso, pelos cataclismos sonoros. A obra de Wagner abre probabilidades na dinâmica leva ao caminho do expressionismo pantonal.

Brams passou a maior parte da vida em Viena, sua cultura e seu temperamento são puramente germânicos, embora tenha passado maior parte da vida em Viena. Brahms postou-se como tradicionalista, tem uma alma romântica e uma cabeça clássica.

A escola francesa.

Deve ao organista César Franck a existência de uma escola francesa. Músicos que receberam o grande prêmio no concurso do Instituto, no século XIX, Berlioz (1830), Gounod (1839), Bizet (1857), Massenet (1863), Debussy (1884). A elite da música francesa são Franck, Saint-Saens e Fauré.

Franck chefe de escola transformou a sua classe de órgão em uma classe de composição. Seu discípulos são Henri Duparc(1848-1933), Vicent d’Indy(1851-1931), Ernest Cahusson(1855-1899), Guy Ropartz(1864-1955), Guillaume Lekeu(1870-1894). Franck e Saint-Saens funda a associação para a promoção da música francesa moderna: a Société Nationale de Musique, “Ars gallica”. A escola francesa começa a ter um caráter nacional, mas não apresenta uma estética definida.

A escola inglesa sentimento de superioridade que o império fortalece.

O irlandês John Field(1782-1837), pianista e precursor de Chopin. A tradição do oratório de Haendel e renovada pelo Elias de Mendelssohn(Birmingham, 1846), representa o essencial da cultura musical britânica.

A escola espanhola.

A renovação musical da Espanha tem as mesmas características da que aconteceu na Inglaterra que é a redescoberta de um passado esquecido, e a promoção de um ensino baseado em valores nacionais e o estudo do folclore que inicia um germinar a escola espanhola influenciada por novas correntes musicais europeias. Os músicos que se destacaram na escola espanhola moderna, Isaac Albéniz, Enrique Granados e Manuel de Falla, que são contemporâneo de Debussy e Ravel. As escolas italiana, francesa e austro-alemã produziram músicos que se se distinguiram por sues estilos particulares. Os músicos franceses, alemães e italianos não defende uma cultura ameaçada e se exprimem por um patriotismo. As escolas espanholas e inglesa existem desde a Idade Média, tiveram sob domínio cultura estrangeiro, seu renascimento é uma libertação nos traços caracterizado no patrimônio nacional presente na música espanhola que são as escalas e os ritmos de um folclore, com influência corruptora da igreja e da música erudita.

A escola russa.

A formação de uma escola nacional no século XIX é significativos despertos sentimentos nacionalistas a campanha napoleônica. O conservadorismo autoritário de Nicolau I com as ideias liberais convertida à filosofia de Hegel e ao socialismo utópico de Fourier e Proundhon.  Mily Balakirev (1837-1910), Cesar Cui (1835-1918), Modest Mussorgsky, Nicolai Rimsky-Korsakov, Alexandre Borondin (1833-1887), esse nomes levam a revolução aos meios musicais conservadores e São Petersburgo. 

Rimsky se destacar com sua orquestração que se compara à de Berlioz ou de Ravel.  Mussorgsky é um gênio e nada deve de experiência ou à habilidade. Sua obra agrega lirismo e naturalismo.

Tchaikovsky

Não se liga ao movimento nacionalista de vanguarda, e nem à tradição conservadora.

A escola tcheca.

Smetana foi o criador da ópera tcheca e símbolo da independência nacional.

As escolas húnguras e polensa passaram por uma renovação dos estilos nacionais no século XX, sob a investida de Bartók, Kodály e Enesco.

Zdenek Fibich(1850-1900) mantém o alto nível da escola tcheca.

Escola escandinava

Se destacar como grande músico o escadinavo do século XX, Edvard Grieg(1843-1907), com seu gênio melódico destaca-se na escrita pianística, na harmonia, interpretação da cultura nacional sendo um dos mais notáveis entre Liszt e Debussy. Franz Berwald(1796-1868) sua obra é rica e variada compositor sueco. Carl Nielsen (1865-1931) compôs melodias de ópera-cômica, Maskarade. Jean Sibelius (1865-1957) se torna o símbolo do nacionalismo finlandês com a obra Finlândia, que inspira os poetas românticos finlandeses. 

As diferentes escolas apresentam características especificas que são  baseadas ou não no folclore, enquanto não se impuserem fatores de universalidade seja sistemas dodecafônico, neoclassicismo, técnicas eletroacústicas, generalizações das teorias modais, musicais aleatórias ou probabilistas.

O pós-romantismo

Segundo GROUT, o Romantismo pré-moderno, ou pós-romantismo, é caracterizado como uma reação às concepções wagnerianas. Os músicos alemães voltam-se para buscar, de uma identidade nacional. Momento da transição entre Bruckner e Schönberg. Suje uma tendência generalizada com o rompimento com os valores do romantismo. A música programada e os grandes arroubos dos sentimentos começam a ser desmontados. Áustria é um foco de novos movimentos musicais, não afetados pelos movimentos nacionalistas, que se manteve como um centro de convergência musical.

Gustav Mahler (1860-1911), filho de judeus alemães da Boêmia, fixa-se em Viena, como sua segunda pátria, porém diria: “Sou três vezes apátrida... Por toda parte um intruso, em nenhum lugar desejado.”.

A arte da regência, muito desenvolvida em Mahler, tem uma influência grande na sua atividade como compositor. Regeu quase toda a obra de Wagner, mas teve a oportunidade de reger Gluck, Mozart, Weber, Puccini, Bizet, Tchaikovsky, Smetana, Offenbach e até mesmo Charpentier.

A sua música é uma arte que cria, ao menos, ambiguamente, um elo entre Wagner e Bruckner e os compositores do século XX Schönberg, Alban Berg e Webern. Schönberg e seus seguidores atestaram muitas vezes a influência que a música de Mahler exerceu sobre eles.

Mahler escreveu lieder ao gosto popular, escreveria com principal característica o lied acompanhado por orquestra. Mahler não escreveu óperas, mas retomou a tradição de Berlioz, de coros e orquestras com dimensões gigantescas. Orquestra com 150 integrantes, dois coros, solistas e órgão. Das nove sinfonias, com mais uma inacabada, utiliza os recursos dos movimentos desiguais, incluindo lieder, sem utilizar os recursos da música programada.

Aproxima-se do politonalismo ou atonalismo na Sinfonia no. 9 em ré maior (1910).

Richard Strauss (1864-1949), compositor eclético, foi diretor de música em Munique e Berlim, mais tarde, diretor da Ópera de Viena, teve suas obras executadas no mundo inteiro, especialmente França e Estados Unidos. Considerado por alguns como neo-romântico, escreveu poemas sinfônicos no estilo de Berlioz, assim como música de câmera e concertos para instrumentos e orquestra. Das obras iniciais escreve lieder, com poesias líricas, neo-românticas.

Canção Morgen (A manhã)

O texto mostra que dois compositores alemães contribuíram para esta transição para a música do século XX que foram.

Max Reger (1873-1916), foi anti-wagneriano e anti-Richard Strauss, pois só admitia a música absoluta, sem influências extra-musicais. Combateu tenazmente os seguidores de Wagner e a música de programa, tanto quanto os poemas sinfônicos de Richard Strauss. Escreveu com traços estilísticos de Beethoven, Brahms, utilizando um estilo de Bach, caraterizando-o com um “reacionário” em sua época, antecipando o neoclassicismo de muitos compositores e a moda barroca na música alemã das décadas de 1920 e 1930. Porém, suas experimentações levam-no até as últimas fronteiras do sistema tonal.

 Hans Pfitzner (1869-1949), que acrescentou à sua composição qualidades do primeiro romantismo alemão. Combatia o “modernismo”, principalmente Busoni, defendendo Wagner, e ao mesmo tempo, Weber e Schumann. Escreveu sinfonias, óperas e cantatas. Uma das óperas mais elogiadas pelo escritor Thomas Mann, foi Palestrina, de 1915, com uma espécie de abordagem religiosa. Reger e Pfitzner seguem caminhos paralelos afastando-se de Wagner por motivos reacionários, porém chegam a regiões além do cromatismo wagneriano e às portas da música de Schönberg.

O fim de uma era segundo o texto Grout, são os últimos trinta anos do século XIX europeu forma pacíficos e estáveis. O começo do século XX marcado por agitação social e tensão internacional crescente, estes acontecimentos culminaram o começo da Primeira Guerra Mundial.  No meio musical esta agitação e tensão aconteceram por meio de experiências radicais. Estes anos marcaram o fim do período clássico-romântico e convenções em matéria de tonalidade  tal como os séculos XVIII e XIX as haviam entendido.

Pós-romântico

O texto citar que Wager foi inspiração para os músicos europeus. Os compositores desta época eram tinha influência de Wagner uma das característica deste período na Alemanha ópera baseada nos contos de fadas sendo as obras mais importante deste gênero Hansel und Gretel (1893), e de Engelbert Humperdinck (1854-1921). Nestas obras podemos ver como acontece a polifonia orquestral wagneriana e o uso de leitmotivs por meio de um material simples e cativante, de cariz folclórico. Hugo Wolf(1860-1903) suas obras são 250 Lieder peças para piano, coros, obras sinfônicas, uma ópera completa( Der Corregidor, 1896), um quarteto de cordas e a Serenata Italiana para pequena orquestra. Os seus Lieder se destacar com o canto solístico com acompanhamento de piano o que prolonga a tradição Alemã.

Característica de Hugo Wolf.

Conforme o texto uma das características de Hugo Wolf são as Canções composta em períodos breves de intensa atividade criadora e foi publicada em seis coletâneas cada qual dedicada a um único poeta ou um grupo de poetas. Wolf manifestou no critério literário  sendo mais rigoroso do que os anteriores compositores alemães e canções se concentra em um poeta de cada vez e colocou o nome do poeta antes do compositor nos títulos da coletâneas.

Gustav Mahler

De acordo com a leitura do texto Gustava Mahler foi o Compositor eminente intérprete foi o ultimo compositor sinfônico do período pós-romântico. Suas obras pós-românticas são longas, formalmente complexas, de caráter programático, e requer grandes recursos de execução. Mahler é um dos compositores mais audaciosos e mais exigentes ao fazer o tratamento das combinações orquestrais, se iguala talvez a Berlioz neste domínio.  Em suas obras o conteúdo programático nem sempre é indicado nas sinfonias. A sensibilidade de Mahler aos significados das várias tonalidades onde concluir em cada sinfonia em uma tonalidade diferente. As técnicas de Marler contribuíram para a progressiva desagregação da organização tonal tradicional, que mostra processos alternativos que os compositores que estavam por vim viriam a retomar e desenvolver essas ideias. Os herdeiros dessas ideias românticas são Berlioz, Liszt, Wagner, no ramo vienense Beethoven, Schubert, Brahms e, Bruckner. Mahler desenvolveu a sinfonia e a sinfonia-oratória romântica que influenciaram Schoenber, Berb e Webern.

Conforme o texto Grout, Richar Strauss e o mais famosos dos compositores pós-romântico, respeitou no essencial a concepção clássica da sinfonia com uma obra em vários andamentos diferentes e Max Reger (1873-1916) apresenta um complexo estilo pós-wagneriano de cromatismo extremo e modulações rápidas, suas obras românticas tardia se enquadra nas obras barrocas ou clássicas estritas, que são fuga, prelúdio coral, ou o tema e variações. Hans Pfitzner (1869-1949), importante compositor Alemão conservado da geração pós-romântica, se destacar por suas óperas, musica de câmara e um concerto para violino em si menor.

Referência Bibliográfica

HORTA, Luiz Paulo, Sete Noites com os Clássicos, Jorge Zahar Editor.

GROUT, Donald J, PALISCA, Claude V, História da Música Ocidental, Gravida.

O nacionalismo na música romântica

O nacionalismo na música romântica

1 – Resumos breves dos três textos indicados, com até quatro páginas cada texto.

Neoclassicismo

            No início do século XX registra-se o fenômeno da volta rigorosa à música do passado, científica algumas vezes, revelando obras musicais desconhecidas e mantidas na obscuridade por séculos. É o século das descobertas arqueológicas e, ao mesmo tempo, de contradições geradas pelas indagações e resistências a novas formas de expressão musical.

            Os jovens compositores, logo após a Primeira Guerra Mundial, indagavam-se sobre como compor algo maciço e colossal como a obra de Mahler, ou algo tão brutal como algumas obras de Stravinsky; ou as harmonias avassaladoras de Richard Strauss ou a imprevisibilidade de Debussy e a sofisticação tímbrica de Debussy e Ravel. Esses compositores oscilavam entre um novo mergulho no folclore, a descoberta do jazz e de folclores urbanos como os da música de café-concerto e de circo, e a volta aos estilos anteriores. “Aos adeptos dessa última tendência – “estética moderna que adota um retorno aos estilos clássico e pré-clássico, particularmente a Bach e aos mestres barrocos”, na conceituação de Claude Rostand  –  deu-se o nome de neoclássicos”.         O Neoclassicismo procura descreve um estilo de música do século XX, em que os compositores procuravam varias formas ara absorver as novas descobertas sem perde a tradição do passado, se mantendo fieis a alguns elementos como os centros tonais, a configuração melódica, as ideias musicais sendo determinada por um objetivo, adaptados a elementos novos e desconhecidos. A texturas extremamente espessas e congestionadas, o que exigir uma massa de executantes, que foram substituídas e passando a apresentar uma clareza de linhas e texturas que são características da música anterior ao período romântico. A expressão por meio de emoções intensas era deliberadamente evitada.

            Compositores que ilustram esta tendência na França são: Arthur Honegger e Darius Milhaud.             Conforme o texto de Grout( p 712), Arthur Honegger (1892-1955) sua música se caracterizar por ser dinâmica e gráfica, que apresentar por melodias de pequeno fôlego, e fortes ritmos ostinatos, pelas cores audazes e pelas harmonias dissonantes. Honegger nasceu na França e morou em Paris no ano de 1913 em sua obra “andamento sinfónico” Pacific 231, procurou não imitar o som, mas traduzir em música a impressão visual e física de uma locomotiva em andamento, no ano de 1923 foi cumprimentado por ter um exemplo de música programática modernista e suas principais obras são as cinco sinfonias para orquestra em 1931-1951 se torna famoso mundialmente com a estreia da oratória Rei David, o que marca a ascensão de um novo gênero musical um misto de oratória e ópera, no segundo quartel do século XX.  Darius Milhaud (1894-1974), natural de Aix-em-Provence, entre suas obras esta a Suite Provençale, feita para orquestra no ano de 1937, com melodias do compositor do inicio do século XVIII André Campra, suas música mostra uma produtividade pouco comum no século XX, sua música apresenta obras para piano, música de câmara, suítes, sonatas, sinfonias, musica para filmes, bailados, canções, cantatas e óperas. Milhaud e muitos outros compositores contemporâneos fazem surgi um processo técnico a politonalidade, onde duas linhas melódicas e dois planos harmônicos estão em tonalidades diferentes  e soam simultaneamente. As obras de Milhaud são:  Les Malheurs, d’Orphée (Os Infortúnios de Orfeu, 1924), Le Pauvre matelot ( O pobre Marinheiro, 1926), suas óperas estão organizadas em complexos cénicos em distinção, com árias e coros, onde são as vozes e não a orquestra o principal centro de interesse.

            Francis Poulenc – (1899-1963), suas composições conforme Grout se caracterizam por apresentar forma breves, mostra a graça e o espirito da canção popular de paris, com imitação satírica por meio de uma fluência melódica e um estilo que cativa. Como exemplo a ópera cómica Les Mamelles de Tiresias ( Os seios de Tirésias, 1940) a obra neoclássica O Concert champêtre para cravo ou piano e pequena orquestra que segue a linha de Rameau e Domenico Scarlatti. Escreveu missa em sol para coro a capella no ano de 1937, muitos motetes, obras para corais, e foi muito admirado como compositor de canções.

Paul Hindemeith (1895-1963), Grout o destaca como uma figura importante como compositor e professor teórico, em seu Tratado de Composição Musical se destacar com um sistema de composição e um método analítico, como professor na Escola de Música de Berlim no ano de 1927 à 1937, e na Universidade de Yale(1940-1953) e na Universidade de Zurique a parti de 1953 teve um grande influencia as novas gerações de compositores e músicos De acordo com o Grout (p. 715) o compositor mostra vinte cinco anos mais tarde, em sua época a reformular as três principais obras desta década, que são um ciclo de canções para soprano e piano sobre poemas, de R.M. Rilke. A vida de Maria, 1923 ( Das Marienleben), Cardillac (1926, ópera trágica), Noticias do Dia, no ano de 1929 ( uma ópera cômica Neues vom Tage), se destaca quatro quartetos de cordas e outras música de câmara. As obras da década de 30 se destacam por serem emotiva, quase romântica, com uma organização tonal sistemática, estas obras são a ópera Mathis der Maler,(Matias, o Pintor), 1934-1935 umas das obras mais conhecida de Hndemith, entre outra obras deste período Grout cita as três sonatas para piano(1936), uma sonata para pianão a quatro mãos (1938), os bailados Nobilissima visione (938, sobre S Francisco de Assis) e os Quatro Humores (1940) e a sinfonia em Mi(1940). Segundo Grout boa parte da música de Hindemith foi escrita com objetivos pedagógicos.

Conforme Grout Messiaen naceu em Avgnon em 1908 estudo órgão e composição em Paris onde foi professor do Conservatório em 1942, teve como aluo Pierre Boulez e Karlheinz Stockhausen participante do movimento musicais da década de 50 e 60, se destaca também como seu aluno o Italiano Luigi Nono(1924) , o holandês Ton de Leeuw(19236). Suas primeiras obras assinalar-se por uma integração perfeita e mais ampla expressividade emotiva, de tom profundamente religioso e um controle intelectual minuciosamente organizado.

            Estes compositores voltaram-se para as formações instrumentais pequenas, privilegiando gêneros como a suíte de danças, o concerto grosso, a tocata e a sonata clássica (sem traços do Romantismo), optando pela objetividade da escrita polifônica, rejeitando a subjetividade da harmonia pós-romântica, expressionista e impressionista. Na Alemanha, este movimento foi chamado de Nova Objetividade. Alguns pontos ajudam a identificar este estilo, como, por exemplo:A utilização de formas equilibradas e baseadas no conceito de simetria, por vezes abordadas de maneira irônica;Clara definição dos processos temáticos; Retomada da harmonia, agora enriquecida pela utilização simultânea de várias tonalidades; Contenção da expressividade.

Serialismo

            O serialismo total é a música eletrônica permite o controle na composição a música aleatória busca maior liberdade, com seu grau de imprevisibilidade e de sorte, tanto no processo de composição o durante a execução da obra, o nos dois momentos. Os executantes são apresentados varias alternativas cabe a ele escolher que notas ou  que parte da música ira tocar, e que ordem fará, a altura das notas podem ser indicadas mas não a duração, ou ao contrario, ou notas no improviso, em algumas peças não são fornecidos notas e sim uma série de símbolos, um diagrama, desenho, ou uma idéia para ser livremente interpretado. Cage com Stockhausen fizeram amplos o uso de procedimentos aleatórios em suas composições. Entre estas obras estão Imaginary Landscape de Cage, que foi feita para doze aparelho de rádio ligado em frente estações onde cada aparelho tem dois executantes, um cuida da sintonia e outro controlar os volumes, também um concerto para Piano e Orquestra, peça para conjunto, sinfonia e aria onde cada músico.

            Segundo Bennett ( p. 77) no ano de 1949 Messiaen compôs uma peça para piano Mode de Valeus et d’Intensités ( Modo de Valores e de Intensidade), estas foram escritas foram baseadas em séries de faixas, nas alturas, e duração, dinâmicas e formas de produzir o som. A parti deste momento Messiaen, seu discípulo Boulez e Stockhausen, começara a fazer experiências com o serialismo total, em que a altura, a duração, a dinâmica e o toque da série de 12 elementos serão de forma inteira controlados por meio dos princípios serialistas de Schoenberg, o primeiro a usar foi Boulez, e sua obra Structures I para dois pianos depois o Stockhause chega a conclusão que o aspceto do som poderia ser controlado pelos procedimentos serias,em sua obra Gruppen utiliza uma escla de 12 tempos tocada por três orquestras bem afastadas entre si e cada qual tem seu condutor(regente).

                        De acordo com o texto de Paul Griffiths (p. 130-144),  a “música do mundo inteiro” parecia esta em alternativa para o desenvolvimento da técnica pura do mundo ocidental do serialismo que mostra um renovado interesse pelo método de Schoenberg, que em primeiro lugar se mostrava surpreendente e com a morte de Webern em 1945 o serialismo perdera o ousadia. Alunos menos talentosos destes  compositores usaram seus métodos de forma pessoal. Robert Gerhard (1896-1970), Nikos SKalkottas (12904-49), e outro compositores como Krenek, trocou o estilo Jazz clássico pela composição genial na ópera Karl V(1930-33), Frank Martin (1890-74), Luigi Dallapiccola(1904-75). Em Paris Boulez se torna o líder de um grupo de serialistas, por ser mais inventivo e metódico entre os compositores norte-americanos, o sistema serialista era considerado como “matemático” e desumano. Shoenberg e seus alunos deixa a Alemanha e a Áustria devido a expansão da Guerra pelos nazista, e se instalam em Paris e nos Estados Unidos. Boulez e seus companheiros foram alunos de Messiaen, onde o conhecimento do serialismo era limitado devido a falta de partituras publicadas e gravações ou execuções.

            Nos Estados Unidos Shoenberg em 1936 foi professor na Universidade da Califórnia, em Los Angeles, ele estimulou Babbit que não frequentava seus cursos. Compositores e estudantes após a segunda Guerra se interessaram pelo serialismo talvez por desejo de algo novo, este interesse de destacou na Alemanha, no Instituto Kranichstein, de Darmstadt onde se reuniam para debater a música de época.

            No meados dos anos 50 conforme o autor o a conversão de Stravinsky ao serialismo se destacou chocando os seus admiradores já que entre as guerras foi o papa rival do serialismo de Schoenberg. Mas com esse novo estilo pode reagir sem ironia, e compor obras  primas sacras e os epitáfios de seus últimos anos enquanto isso Boulez se liberta do rigor serial integral em sua obra Structures I, partindo para questões estéticas  ao contrario de  Stockhausen que atuava com todo a força motivadora dos desafios encontrados nas novas estruturas instrumentais. O compositor Jean Barraqué passa a indicar segundo o texto uma saída para o impasse do serialismo integral, procurando manter uma continuidade dramática e uma expansividade melódica que se contrasta de forma acentuada em seu fraseado penetrante, se tornando o romântico do movimento serial do pós-guerra. Suas obras são: Séquence, sonata para piano, composição de uma ampla série de paráfrase a obra de “A morte de Virgilio, o romande de Hermann Broch.

Eletrônica.

            Conforme Paul Griffiths ( p. 145-158), o serialismo no final do século 40 e inicio do anos 50 não foi a única força motivadora para o desenvolvimento da música nesta década começar a aparecer o gravador de fita, dando um impulso ao surgimento da música eletrônica, já que os discos demostravam ser limitados para criar música eletrônica devido as técnicas serem excessivas e complicadas, as fitas davam os compositores da época alternativas na gravação e estocagem de sons podendo manipular a altura, ritmo velocidade da gravação sobrepor as gravações e reorganizar conforme a ordem desejada.

            Com o aparecimento da música concreta e eletrônica no inicio da década de 1950 e fins de 1940, podemos observa que por meio de meios eletrônicos se pode utilizar o sons e manipula-los pro meio de diferentes frequência, amplitudes, durações ou timbres, estes meios fizeram com que os compositores passassem a explorara  um campo sonoro que aparentemente parecia ter possibilidades limitadas. Neste momento Edgard Varèse toma a proposta de compor com sons organizados na década de 1920, novos compositores passam a buscar um objetivo em que os sons se tornam primordial. Com a falta de recursos matérias criativos passou a explora universos em obras instrumentais, que foram imitados nas intergrades para orquestra em (1924-25). Déserts (1949-54), com esta obra em que Varêse decidiu utilizar junto os sons gravados e instrumentos que se alternam com a orquestra e a fita dos gravadores. A escrita orquestra trouxe um refinamento a combinação de timbres em umas de suas obras com a combinação de timbres em um conjunto de sopros e percussão. O compositor Varêse em seus últimos anos de vida, retorna aos meios convencionais de composição mas antes criar a obra música em fita, Pòeme Électronique. Compositores da época dos anos 30. Pierre Schaeffer(1910), Pierre Henry(1927), e a obra Symphonie poen um Homme Geul (1949-50).

            Para Griffiths Strochausen na Colônia dedicou seu tempo ao estúdio e a composição instrumental e buscava não se preocupar com as transformações dos sons naturais, mas em fazer música “pura”, feitas com os novos recursos, mas fracassou devido a falta de tecnologia. Com a obra Studie I peça eletrônica inicial de Stockhausen a música na década de 60 segundo Griffiths sofreu crítica que seus sons eram mortos, os aparelhos não produziam as rápidas variações como o ataque de um instrumento, com imitações rápidas e sutis de inflexões que se apresentam em timbre, esse efeitos na música eletrônica eram predeterminados, e os sons naturais chegava a desaparecer por completo nas obras de Varêse. Os elementos vivos a música eletrônica se tornavam mais comuns.

            O texto procurar mostra o que os acontecimentos e como se deu o desenvolvimento da música da época. Stockhausen com a composição eletrônica “pura” passa a ter com pulsações regulares de sons no lugar de simples frequência sonora, esse trabalho em estudo o levar a volorizar a “unidade” da música eletrônica, onde uma nota passa a ser determinada por sua altura e ao ser baixada para menos de 16Hz ou seja 16 ciclos de vibração por segundo, passa a deixar de ser ouvida como som para ser ouvida como batida rítmica regular, em que apresenta ritmos subsidiários que são fornecidos pelas frequências que estabelece o timbre. Com isso destacar os quatro elementos constituintes da música, que são altura, timbre, rítmica e forma.

            Os elementos da música eletrônica composta com elementos vivos foi levados mais a sérios pelos compositores da época, conformo o autor, e se tornaram cada vez mais comuns. Stockhausen tentou fazer a segunda versão de Kontaker, a fita grava é tocada por um pianista e um percussionista por meio deste sons, escreveu que eles servem como orientação e perspectiva para experiências auditivas, e funcionam como sinal de trânsito em um espaço ainda a ser revelado no mundo dos sons eletrônicos, que acaba se confundido com sons conhecidos. Kontakter leva em frente as mediações de Gesang, que estabelece contato com os sons produzidos pelos executantes e o fluxo da música gravada em fita, sem prejudicar o efeito dos novos sons. Para Babbit, o valor da música eletrônica não apresenta novos sons, mas o controle rítmico que torna possível. Na obra Nos Ensembles for Syntheslzer (1962-64) mostra possibilidades que impulsiona a construção do serialismo rítmico, e procura solucionar os timbres com cuidado, evitar recorrer ao estranho e grandiosos, assim como Stockhausen, busca limitar às alturas da escala temperada convencional, de modo que a peça parece produzi um órgão eletrônico versátil.

            Philomel (1963-64) este compositor procura explora a dramaticidade dos sons eletrônicos. Robert Moog teve o sintetizado Moog associado ao seu nome e a   chegada deste sintetizador passa a representa uma evolução nas técnicas eletrônica. O compositor não precisava mais passar horas no estúdio, preparando e editando seu material os novos sintetizadores passaram a oferecer uma variedade de sons, prontos para serem manipulados, para isso bastava regular os controles e tocar um instrumento no teclado ou algum outro dispositivo.

             Com isso passou-se a desperta um interesse pela execução ao vivo de equipamentos eletrônicos “livre electronic muic” a primeira obra foi a de Cage, Imaginary Landscae n. 1 de 1939, por meados da década de 60, se multiplica os conjuntos de música eletrônica ao vivo, como a Sonic Arts Union nos Estados Unidos, o conjunto de Stockhausen e a Musica Elettronica Viva de Roma, passaram de acordo com o autor instrumentos convencionais e eletrônico.

            A primeira peça de Stockhausen foi Mikrophone (164-65). O radio aparelho usado como instrumento foi inaugurado em Imaginary Landscape n.4, de Cage, para doze receptores em 1951.  A música popular de alguma forma começa a se acomoda com estas músicas, pois a música eletrônica estava importante na “música erudita”, onde instrumentos da música popular começaram a ser empregados na música “seria”. O que tornou possível a realização de concertos conjuntos de grupos eletrônicos e de música pop, pois a diferença era apenas de formação, origem e público e marca de disco.      

            Terry Riley (1935), segundo Griffiths (p. 154) apresenta a peça In C, exemplo entre os gêneros pois fornece um certo número de fragmentos modais, onde o executante interpretam de forma livre dentro de um ritmo regular, onde gera repetições obsessivas e movimentos espontâneos estes recurso passaram a ser imitados na música erudita e popular.

            De acordo com Griffiths (p.156) os computadores passar na década de 60 foi uma técnica que não estava ao alcance dos músicos populares, apenas alunos de universidades e professores desta instituições tinham acesso a essa tecnologia. Max Matthews por meio de seus trabalho com sintetização sonora em computador mostra o seu primeiro trabalho de sintetização sonora nos Bell Telephone Laboratories. Os computadores passar a ser programado para operar um sintetizador, mas também podendo ser empregados em outras formas em que é possível alimenta-los com normas de composição, e orienta-lo para a criação de “composições” pratica que foi inaugurada por Lejaren Hiller (19240 com a obra Illiac Suite peças para quartetos de cordas (1957), Iannis Xenakis(1922), onde a forma musical se torna comparável a um processo estocástico. 

            O autor descreve que o computador e as gravações de fita sintetizadora e outro aparelhos eletrônicos foram e são cada vez mais importantes na música desde do ano de 1950. Se destacar também um invenção mais antiga o gramofone. Os primeiros concertos eletrônicos frequentemente redundavam em fracasso por que as ausências de estímulos visuais entediavam o público. Mas este problemas passa a deixar de existir com a música eletrônica viva, e com técnicas de canais múltiplos que passam a dar a impressão quase visual dos sons movendo-se no espaço. Stockhausen insistia em construir salas de concertos para a música eletrônica, em 1970 foi construído um auditório esférico para a Exposição de Osaka, sendo a primeira sala de concerto adaptáveis para música eletrônica com à de Tchaikovsky.

            De acordo com o autor uma composição eletrônica pode se constituir somente em sons gerados eletronicamente, pré-gravados em fitas ou manipulados ou pode ser a combinação de sons como vozes ou instrumentos, soando naturalmente ou transformados por processos eletrônicos que seja gravados ao vivo ou gravados, Karlheinz Stockhausen é um dos mais importantes compositores da música eletrônica.

            Numerosos músicos conhecidos foram iniciar-se nas novas técnicas ou a realizar obras pessoais no Estudio de ensayo, transformado mais tarde (1958) em Grupo de Pesquisa Musical: Olivier Messiaen, Edgard Varèse (Déserts), Pierre Boulez (Deux Etudes), Darius Milhaud, Stockhausen, Xenakis, Barraqué, Malec, etc. Em 1951, Hervert Eimert cria na rádio de Colônia um estúdio de música eletrônica e se une um pouco mais tarde Karlheinz Stockhausen. O emprego dos pesquisadores de Paris e de Colônia suscitou nos anos seguintes uma floração de estúdios especializados na composição sobre fita:  Columbia-Princeton, Utrecht, Estocolmo (Hambraeus e Nilsson), etc.

2 – A partir dos exemplos musicais ouvidos durante as oito semanas escreva um texto sobre a presença dos elementos musicais e estruturas em pelo menos cinco gêneros ou estilos na música dos nossos dias (rock, MPB, rap, funk, música Techno ou outros).

            O rock é um gênero de música popular que se originou como " Rock and Roll "em América 1950 e se passou a se desenvolver em uma variedade de estilos diferentes em 1960 e mais tarde, especialmente no Reino Unido e nos Estados Unidos suas raízes são da década de 1940 'e 1950' rock and roll, em si fortemente influenciado pelo rhythm and blues e música country a música rock também atraiu outros gêneros, como azuis e folclóricas , e as influências incorporadas a partir de jazz , clássicos e outras fontes musicais.

            Normalmente, o rock é a música baseado em música geralmente com um compasso 4/4 , utilizando uma forma de verso-refrão , mas o gênero tornou-se extremamente diversificada e comuns características musicais são difíceis de definir. Como música pop , letras sublinham frequentemente o amor romântico, mas também abordar uma grande variedade de outros temas que são frequentemente social ou política de ênfase. Uma característica é a predominância do rock por músicos brancos, do sexo masculino tem sido visto como um dos principais fatores que moldam os temas explorados na música rock.

            Os compositores clássico dar o nome de Sonata  uma peça , que se caracterizar por apresentar vários movimentos para um ou dois instrumentos, que são tocadas por piano e violino, ou  se for três instrumento passar a se chamar de um trio, caso fosse quatro seria um quarteto, quinteto, de acordo com a sua formação. Na música popular temos o rock, a MPB, o rap, ou o funk, que apresentam as sua forma de estrutura musical, e forma de compasso que se caracterizar por ter formações de acordo com o estilo de cada uma e como seus componentes tocam esses estilos.

            O Rock é um gênero de música popular que se originou como " Rock and Roll "em América 1950 e se desenvolver em uma variedade de estilos diferentes em 1960 e mais tarde, especialmente no Reino Unido e nos Estados Unidos suas raízes são da década de 1940 'e 1950' rock and roll, em si fortemente influenciado pelo rhythm and blues e música country a música rock também atraiu outros gêneros, como azuis e folclóricas , e as influências incorporadas a partir de jazz , clássicos e outras fontes musicais. Normalmente, o rock é a música baseado em música geralmente com um compasso 4/4 , utilizando uma forma de verso-refrão , mas o gênero tornou-se extremamente diversificada e comuns características musicais são difíceis de definir. Como música pop , letras sublinham frequentemente o amor romântico, mas também abordar uma grande variedade de outros temas que são frequentemente social ou política de ênfase.

            Uma característica é a predominância do rock por músicos brancos, do sexo masculino tem sido visto como um dos principais fatores que moldam os temas explorados na música rock. Uma banda pode ter cordas percutidas, friccionadas ou dedilhadas podendo ter também instrumentos de madeiras e metais de acordo com o dono do grupo. A textura musica pode ser polifônica acompanhada ser tonal e acompanhada por uma harmonia instrumental por conjuntos de instrumentos melódicos, uma orquestra, e um vocal, de acordo como o gosto e possibilidade financeira do interprete, para pagar os músicos.

             Muitos grupos são apenas formados por guitarra, teclado, baixo e vocal.  Ao estudar e observar os aspectos rítmicos (divisão de compasso e de tempo predominantes, divisões, subdivisões, variações) e agógica (rallentando, rubato, mudança de andamento presente em um Rock, ou MPB, rap, funk, estaremos fazendo os mesmo procedimentos de analise musical que são feitas nas obras do passado, se analisarmos estas música estarão presentes sempre uma forma tipo A,B, A.

            Cada música apresenta a sua forma na sinfônica é na realidade uma sonata para orquestra, que se desenvolveu a parti de uma abertura italiana, no começo tinha três seções de andamentos contrastantes que são: rápido, lento, rápido, no começo estas seções eram movimentos distintos, posteriormente passar a ser quatro movimento lento, em seguida foi incorporado o minueto e trio, e o alegro finale, os compositores que contribuíram para esta estruturação segundo Bennett (p.48) foram o italiano Sammartini, o alemão Johann Stamitz, no meados do século XVIII, C.P.E e J.C Bach, mas foi Haydn e Mozart que enriqueceram e aperfeiçoaram a sinfonia na segunda metade do século. As musicas de nosso dias apresentam. Primeira parte, tema, segunda parte, tema, terceira parte, tema.

            A sinfonia apresenta em seu primeiro movimento andamento rápido, segundo movimento mais vagaroso estilo canção, com forma binaria A,B ou em variações. Terceiro movimento em Haydn e Mozart inseri um minueto e trio. Beethoven usou este movimento para apresentar o scherzo, e o quarto movimento o finale de andamento rápido de caráter alegre usando a forma rondó (A,B,A,C,A...)

            Na década de 60 músicos segundo Wikipédia músicos afro-americanos, misturando soul, jazz criaram uma forma de música nova tanto no ritmo e na dança, pois esta música tira a ênfase da melodia e da harmonia e traz um groove rítmico forte de baixo elétrico e bacteriano fundo, baseadas em um acorde apenas o que diferencia das músicas de R&B que são centradas em progressões de acordes. Nos anos 80 segundo Wikipédia o funk tradicional pede a popularidade nos EUA, as bandas se tornam mais comerciais e a música mais eletrônicas e o derivados do rap e o hip hop.  A MPB abranger outras misturas de ritmos como a do rock, soul e o samba, dando origem a um estilo conhecido como samba-rock, a da música pop e do Samba, tendo como artistas famosos Gilberto Gil, Chico Buarque e outros e no fim da década de 1990 a mistura da música latina influenciada pelo reggae e o samba, dando origem a um gênero conhecido como Samba reggae.

            Conforme Wikipédia o Forró é um ritmo e dança típicos da Região Nordeste do Brasil não existe consenso quanto à definição musical do forró como estilo musical, é associado a uma generalização de vários ritmos musicais da região Nordeste, como baião, a quadrilha, o xaxado, com influências holandesas e o xote, influência de Portugal e são tocados, por trios, compostos de um sanfoneiro, um zabumbeiro e um tocador de triângulo é chamado arrasta-pé, bate-chinela, fobó. O Brasil se destaca também em sue cotidian com o Sertanejo Universitário, que mudou muito a forma em relação ao sertanejo convencional, já que alguns instrumentos como a sanfona, se tornaram mais eletrônicos, assim, tornando a música com um ritmo um pouco mais acelerado. Sua forma instrumental a sanfona se torna mais eletrônica com um ritmo mais acelerado.

            Conforme Wikipédia as músicas entoadas pelas duplas sertanejas universitárias eram, em sua maioria, regravações e interpretações de canções que anteriormente sucesso nas vozes de duplas das décadas de 70, 80 e 90. Na segunda década do século XXI o estilo sertanejo recebe tendências de vários estilos mais comerciais, como axé, pagode e até funk, além de estilos com raízes mais populares essas misturas vêm sendo criticadas, pelas duplas mais antigas, por descaracterizar a música sertaneja em todas suas instâncias: letra, melodia, toada e qualidade vocal.

Referência Bibliográfica

HORTA, Luiz Paulo, Sete Noites com os Clássicos, Jorge Zahar Editor.

GROUT, Donald J, PALISCA, Claude V, História da Música Ocidental, Gravida.

BENNET ROY, Uma breve historia da música, Jorge Z|ahar Edtor.

Rock. Disponivel em http://pt.wikipedia.org/wiki/Rock Acesso em 13/10/2012.

Jazz. Disponivel em http://pt.wikipedia.org/wiki/Jazz Acesso em 13/10/2012.

MPB Disponivel em  http://pt.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_popular_brasileira Acesso em 13/10/2012.

Música sertaneja.Disponivel em  http://pt.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_sertaneja acesso em 13/10/12

Forró. Disponivel em   http://pt.wikipedia.org/wiki/Forr%C3%B3 acesso em 13/10/12